Fotografei você na minha Rolleiflex...

2012-02-13T00:25:00.000-02:00

A MORTE NOSSA DE CADA DIA.

AO RENASCIMENTO DE CADA DIA.

2012-02-05T20:33:00.001-02:00

"Dia Voa" é um documentário dirigido por Bruno Natal , que acompanha Chico Buarque em seu novo CD: “Chico” .

A linguagem do P&B e os enquadramentos estão perfeitos!

2012-02-01T20:11:00.001-02:00

A arte pode transformar a vida de uma pessoa?

O documentário "Arte & Transformação" foi produzido com o intuito de levantar a bandeira do debate artístico e cultural. Ou seja, questionar os conceitos de arte; levar as pessoas a refletirem sobre a importância das artes em nossa formação cultural e social; compartilhar as ideias dos entrevistados com o cidadão comum, com pessoas interessadas em artes, e com um público geral que não tem acesso a determinado tipo de informação; incentivar as pessoas a irem atrás das artes, mostrando o quão elas são importantes, e o papel fundamental como modificadora social; e também, divulgar o trabalho de artistas independentes, em suas áreas específicas.

2012-01-15T17:09:00.004-02:00

E eu digo: o caos e o foco, tudo em um só lugar.

© English Heritage/NMR. Bombardeio da Biblioteca da Holland House. Londres, 1940.

A Biblioteca da Holland House em Londres foi bombardeada em setembro de 1940. Essa célebre fotografia foi feita após um ataque aéreo alemão que devastou Londres, as paredes da biblioteca ficaram intactas, com suas estantes de livros ordenadamente dispostos. A imagem de autoria desconhecida mostra três homens de chapéu que aparecem calmamente folheando livros sob os escombros, alheios ao terror da noite anterior.

Fonte: página de Fernando Rabelo no Facebook

2012-01-14T23:23:00.000-02:00

Frame

Observar

Educar o olhar

2011-12-29T00:29:00.002-02:00

"A curiosidade como inquietação indagadora, como inclinação ao desvelamento de algo, como pergunta verbalizada ou não, como procura de esclarecimento, como sinal de atenção que sugere alerta, faz parte integrante do fenômeno vital. Não haveria criatividade sem a curiosidade que nos move e que nos põe pacientemente impacientes diante do mundo que não fizemos, acrescentando a ele algo que fazemos."

"O fato de me perceber no mundo, com o mundo e com os outros me põe numa posição em face do mundo que não é de quem nada tem a ver com ele. Afinal, minha presença no mundo não é a de quem a ele se adapta, mas a de quem nele se insere. É a posição de quem luta para não ser apenas objeto, mas também sujeito da história."

"Estar no mundo sem fazer história, sem por ela ser feito, sem fazer cultura, sem "tratar" sua própria presença no mundo, sem sonhar, sem cantar, sem musicar, sem pintar, sem cuidar da terra, das águas, sem usar as mãos, sem esculpir, sem filosofar, sem pontos de vista sobre o mundo, sem fazer ciência, ou teologia, sem assombro em face do mistério, sem aprender, sem ensinar, sem ideias de formação, sem politizar não é possível."

Paulo Freire, Pedagogia da Autonomia

2011-12-25T23:07:00.005-02:00

Eu indico!

2011-12-18T22:51:00.002-02:00

Quintal

2011-12-17T22:36:00.000-02:00

Documentário: Ferreira Gullar - A necessidade da Arte

2011-12-14T22:48:00.002-02:00

2011-12-04T23:57:00.002-02:00

Imagem
Narrativa
Alfabetização visual

2011-12-02T23:40:00.000-02:00

Ferreira Gullar no programa Sangue Latino

2011-12-02T23:36:00.005-02:00

FERREIRA GULLAR

Um novo realismo

É imprescindível que a obra inusitada transcenda a banalidade e a sacação cerebral ou extravagante

Quem, como eu, admite que a vida é inventada e que a arte é um dos instrumentos dessa invenção terá do fenômeno artístico, obrigatoriamente, uma visão especial.

Não é só através da arte que o homem se inventa e inventa o mundo em que vive: a ciência, a filosofia, a religião também participam dessa invenção, sendo que cada uma delas o faz de maneira diferente, razão por que, creio, foram inventadas.

Se a filosofia inventasse a vida do mesmo modo que a ciência ou a religião o faz, não haveria por que a filosofia existir.

A conclusão inevitável é que todas elas são necessárias, ainda que cada uma a seu modo e sem a mesma importância para as diferentes pessoas. E o curioso -para não dizer maravilhoso- é que, de uma maneira ou de outra, a maioria das pessoas, senão todas, usufrui, ainda que desigualmente, de cada uma delas.

A arte é exemplo disso. Não importa se esta ou aquela pessoa nunca viu a Capela Sistina, porque, no dia em que a vir, se renderá à sua beleza. Isso vale igualmente para a ciência, a religião ou a filosofia, que atuam sobre nossa vida, quer o percebamos ou não.

É que somos seres culturais, e não apenas porque nos apoiamos em valores éticos, estéticos, religiosos, filosóficos, científicos -mas porque eles são constitutivos dessa galáxia inventada que é o mundo humano.

Como numa galáxia cósmica, a diversidade da matéria e as relações de espaço e tempo, de presente, passado e futuro, fazem com que, de algum modo, tudo ali seja atual, já que qualquer um de nós pode encontrar numa frase de Sócrates, num verso de Fernando Pessoa, numa imagem pintada por Rembrandt, a verdade ou a inspiração que nos reconciliará com a vida.

Isso não significa que devamos pensar como Sócrates ou pintar como Rembrandt e, sim, que a invenção do novo não implica a negação do que já foi feito, mas a sua superação dialética.

Todo artista sabe que a arte não nasceu com ele e que um dos sentidos essenciais de sua obra é incorporar-se a essa galáxia cultural que constitui a nossa própria existência.

Não entenda isso como uma proposta de conformismo, que seria contrária à minha própria tese de que o homem se inventa e inventa o seu mundo, já que seria impossível inventá-lo se apenas repetissem o que já existe.

Por isso mesmo, é perfeitamente natural que alguns artistas de hoje busquem expressar-se sem se valer das linguagens artísticas e, sim, antes, repelindo-as, para inventar um modo jamais utilizado por artistas do passado.

Como já observei, entre esses há os que simplesmente negam a arte e outros que pretendem criar arte valendo-se de elementos antiartísticos ou não artísticos.

Em princípio, suas experiências não têm que ser negadas, uma vez que essa sua atitude radical pode suscitar expressões surpreendentes. E isso às vezes ocorre, embora não seja frequente.

Não resta dúvida de que quem opta por uma atitude tão radical merece atenção e crédito, por seu inconformismo e por sua coragem, mas isso, por si só, não basta.

É preciso que dessa opção radical e corajosa resulte alguma coisa que nos comova e se some a esse mundo imaginário de que já falamos. Honestamente, deve-se admitir que a audácia por si só não é valor artístico.

Nada me alegra mais do que me deparar com uma criação artística inovadora, mas, para isso, não basta fugir das normas, das soluções conhecidas e situar-se no polo oposto: é imprescindível que a obra inusitada efetivamente transcenda a banalidade e a sacação apenas cerebral ou extravagante.

O que todos nós queremos é a maravilha, venha de onde vier, surja de onde surgir.

E aqui cabe aquela afirmação minha -que tem sido repetida por mim e até por outras pessoas- de que a arte existe porque a vida não basta.

Nela está implícito que não é função da arte retratar a realidade, mas reinventá-la. É, portanto, o oposto do falecido realismo socialista que só faltou, em vez de pintar o operário, colocá-lo em carne e osso no lugar da obra.

E nisso não estaria muito distante de certos artistas de agora, ditos conceituais, como a que pôs casais nus em pelo nas salas do MoMA, de Nova York. Como essa arte visa gente de muita grana, bem que poderia chamar-se "realismo high society".

2011-11-24T09:36:00.000-02:00

Artista desconhecido

2011-11-19T20:45:00.001-02:00

Sangue Latino - Eric Nepomuceno conversa com Walter Carvalho. O cineasta conta seu processo de "caçar imagens", como diretor de fotografia, e como a arte pode retratar o mundo.

2011-11-18T21:17:00.000-02:00

O medo, o mundo, os valores...

2011-11-15T13:18:00.001-02:00

Na verdade, esta é uma bela ocasião para estabelecer uma teoria racional e histórica do belo, em oposição à teoria do belo único e absoluto; para mostrar que o belo inevitavelmente sempre tem uma dupla dimensão, embora a impressão que produza seja uma, pois a dificuldade em discernir os elementos variáveis do belo na unidade da impressão não diminui em nada a necessidade da variedade em sua composição. O belo é constituído por um elemento eterno, invariável, cuja quantidade é excessivamente difícil de determinar, e de um elemento relativo, circunstancial, que será, se quisermos, sucessiva ou combinadamente, a época, a moda, a moral, a paixão. Sem esse segundo elemento, que é como o invólucro aprazível, palpitante, aperitivo do divino manjar, o primeiro elemento seria indigerível, inapreciável, não adaptado e não apropriado à natureza humana. Desafio qualquer pessoa a descobrir qualquer exemplo de beleza que não contenha esses dois elementos.

Escolho, se preferirem, os dois escalões extremos da história. Na arte hierática, a dualidade salta à vista; a parte de beleza eterna só se manifesta com a permissão e dentro dos cânones da religião a que o artista pertence. A dualidade se evidencia igualmente na obra mais frívola de um artista refinado pertencente a uma dessas épocas que qualificamos com excessiva vaidade de civilizadas: a porção eterna de beleza estará ao mesmo tempo velada e expressa, senão pela moda, ao menos pelo temperamento particular do autor. A dualidade da arte é uma conseqüência fatal da dualidade do homem. Considerem, se isso lhes apraz, a parte eternamente subsistente como a alma da arte, e o elemento variável como seu corpo. É por isso que Stendhal, espírito impertinente, irritante, até mesmo repugnante, mas cujas impertinências necessariamente provocam a meditação, se aproximou mais da verdade do que muitos outros ao afirmar que o belo não é senão a promessa da felicidade. Sem dúvida, tal definição excede o seu objetivo; ela submete de forma excessiva o belo ao ideal indefinidamente variável da felicidade; despoja com muita desenvoltura o belo de seu caráter aristocrático, mas tem o grande mérito de afastar-se decididamente do erro dos acadêmicos.

BAUDELAIRE, Charles - O belo, a moda e a felicidade; in:Sobre a Modernidade: o pintor da vida moderna. Organizado por Teixeira Coelho - Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1996

http://acancaoestamorta.blogspot.com/

2011-11-01T22:46:00.004-02:00

A MORTE - Tarô de Rider-Waite

"A morte, ao contrário do que pensa a grande maioria das pessoas, não significa um fim, mas o início de um novo ciclo de vida-morte-vida, um período é de transição. Na dança da morte com a vida, ficamos todos assombrados e um tanto despedaçados, mas a vida está pulsando de novo." Definição encontrada no site 7, fotografia, pesquisa e debate

2011-10-20T00:28:00.000-02:00

2011-10-09T13:37:00.001-03:00

Realidade Gramática visual

Verdade Estética

Documentário Audiovisual

Jornalismo

2011-10-08T01:46:00.002-03:00

Fisheye Nº 2

2011-09-20T23:40:00.000-03:00

Gosto muito deste trabalho do Ryan J Woodward.

A dança, a música, os traços, a delicadeza...

Thought of You from Ryan J Woodward on Vimeo.

2011-09-18T16:37:00.001-03:00

Modernidade.

Pós-modernidade.

Democracia.

Sociedade.

Aceitação do novo... ou não.

2011-09-08T22:22:00.005-03:00

O público moderno e a fotografia

Carta ao Sr. Diretor da Revue française sobre o Salão de 1859 [20/06/1859]

Charles Baudelaire, 1959

[Tradução e comentários: Ronaldo Entler, 2007]

Meu caro Morel, se houvesse tempo para diverti-lo, eu o conseguiria facilmente folheando o catálogo e fazendo um apanhado de todos os títulos ridículos e temas patéticos que têm a ambição de atrair nossos olhos. Esse é o espírito francês. Tentar surpreender através de estratégias estranhas à arte em questão é o grande instrumento de pessoas que não são naturalmente pintores. Por vezes, mas sempre na França, esse vício atinge até mesmo homens que não estão desprovidos de talento, mas que o desonram através de uma espécie de mistura adúltera. Eu poderia fazer desfilar sob seus olhos o título cômico à maneira dos vaudevillistas[1], o título apelativo ao qual falta apenas o ponto de exclamação, o título trocadilho, o título profundo e filosófico, o título enganador, ou título armadilha, do gêneroBrutus, Largue César[2]! “Oh estirpe incrédula e pervertida! diz Nosso Senhor, até quando estarei entre vós? Até quando vos suportarei?”[3] Efetivamente, essa estirpe, artista e público, tem tanta fé na pintura que tenta incessantemente disfarçá-la e dar-lhe um invólucro como um remédio amargo dentro de uma cápsula de açúcar; e que açúcar, grande Deus! Eu lhe apontarei apenas dois títulos de telas que, aliás, não cheguei a ver: Amor e Gibelotte[4]! Como a curiosidade vira imediatamente apetite, não é mesmo? Eu tento combinar intimamente essas duas idéias, a idéia de amor e a idéia de um coelho esfolado e feito picadinho. Não me foi possível supor que a imaginação de um pintor tenha chegado ao ponto de combinar um aljava, asas e uma venda[5] sobre o cadáver de um animal doméstico; realmente, a alegoria seria demasiadamente obscura. Mais que isso, creio que o título foi composto segundo a receita de Misantropia e Arrependimento[6]. O título verdadeiro seria então: Pessoas apaixonadas comendo gibelotte. Agora, são eles jovens ou velhos, um operário e uma costureirinha ou mesmo um inválido e uma vagabunda sob um caramanchão empoeirado? Seria preciso ter visto o quadro. - Monárquico, Católico e Soldado! Este é do gênero nobre, do gênero paladino, um itinerário de Paris a Jerusalém (Chateaubriand, perdão![7] As coisas mais nobres podem se transformar em meios de caricatura, e as palavras políticas de um governante, em munição para aprendizes de arte). Esse quadro só pode ser a representação de alguém que faz três coisas ao mesmo tempo, batalha, comunga, e assiste ao petit lever[8] de Luis XIV. Será talvez um guerreiro tatuado com flores de lis[9] e imagens de devoção? Mas para que complicar? Digamos simplesmente que esse é um meio de comoção, pérfido e estéril. O que há de mais deplorável, é que o quadro, por mais esquisito que pareça, talvez seja bom. Amor e Gibelotte também. Sem falar de um excelente e pequeno grupo de esculturas cujo número infelizmente não guardei, e quando eu quis saber mais sobre o tema, reli insistente e infrutiferamente o catálogo. Enfim, você teve a generosidade de me informar que se chamava Sempre e Jamais. Eu me senti sinceramente aflito ao ver que um homem talentoso cultivou inutilmente um enigma desse tipo[10].

Peço desculpas por ter me divertido por alguns instantes à maneira dos pequenos jornais. Mas, ainda que a temática lhe pareça um pouco frívola, no entanto, examinando-a bem, você encontrará nela um sintoma deplorável. Para resumir de um modo paradoxal, eu lhes perguntaria, a você e a esses meus amigos que são mais instruídos que eu na história da arte, se o gosto pelo tosco, o gosto pelo espirituoso (que são a mesma coisa) existiram em outros tempos. Se Apartamento para alugar[11]e outras concepções rebuscadas surgiram em todas as épocas para incitar o mesmo entusiasmo. Se a Veneza de Veronese e de Bassan foram afligidas por esses logogrifos, se os olhos de Jules Romain, de Michelangelo, de Bandinelli foram assombrados por semelhantes monstruosidades; pergunto, em resumo, se o Sr. Biard é eterno e onipresente como Deus. Não creio nisso, e considero essas honras como uma graça especial concedida à estirpe francesa. Que seus artistas inoculam nela o gosto, é verdade; que ela exige deles que lhe supram tal necessidade, também não é menos verdadeiro; pois se o artista embrutece o público, este lhe paga bem por isso. São dois termos correlativos que agem um sobre o outro com igual eficiência. Admiremos também com que rapidez mergulhamos na via do progresso (entendo por progresso a progressiva desaparição da alma e o progressivo domínio da matéria), e que propagação maravilhosa se faz todos os dias da habilidade ordinária, aquela que se pode adquirir através da paciência.

Neste país, a pintura naturalista, assim como o poeta naturalista, é quase um monstro. O gosto exclusivo pelo Verdadeiro (tão nobre quando limitado a suas verdadeiras aplicações), neste caso, oprime e sufoca o gosto pelo Belo. Onde seria preciso ver apenas o Belo (eu penso numa bela pintura, e pode-se facilmente adivinhar o que estou imaginando), nosso público busca apenas o Verdadeiro. Ele não é artista, naturalmente artista; filósofo, talvez; engenheiro, amante de anedotas instrutivas, tudo que se queira, mas jamais espontaneamente artista. Ele sente, ou melhor, julga sucessivamente, analiticamente. Outros mais favorecidos sentem de imediato, de uma só vez, sinteticamente.

Havia pouco, eu falava de artistas que buscavam surpreender o público. O desejo de surpreender e de ser surpreendido é bastante legítimo. It is a happiness to wonder, "é a felicidade de ser surpreendido"; mas também, it is a happiness to dream, "é a felicidade de sonhar"[12]. Se for necessário conferir o título de artista ou de amante das belas-artes, a questão é de saber por quais procedimentos se deseja criar ou sentir surpresa. Se o Belo é sempre surpreendente, seria absurdo supor que o que é surpreendente é sempre belo. Ora, nosso público, que é particularmente incapaz de sentir a felicidade da fantasia e da admiração (um sintoma das almas pequenas) quer ser surpreendido por meios estranhos à arte, e os artistas obedientes se conformam a esse gosto; eles querem chocar, causar espanto, pasmar por estratagemas indignos, porque sabem que o público é incapaz de se extasiar diante da tática mais espontânea da verdadeira arte.

Nestes dias deploráveis, produziu-se uma nova indústria que muito contribuirá para confirmar a idiotice da fé que nela se tem, e para arruinar o que poderia restar de divino no espírito francês. Essa multidão idólatra postulou um ideal digno de si e apropriado à sua natureza, isso está claro. Em matéria de pintura e de escultura, o Credo atual do povo, sobretudo na França (e não creio que alguém ouse afirmar o contrário) é este: "Creio na natureza e creio somente na natureza (há boas razões para isso). Creio que a arte é e não pode ser outra coisa além da reprodução exata da natureza (um grupo tímido e dissidente reivindica que objetos de caráter repugnante sejam descartados, como um penico ou um esqueleto). Assim, o mecanismo que nos oferecer um resultado idêntico à natureza será a arte absoluta". Um Deus vingador acolheu as súplicas desta multidão. Daguerre foi seu Messias. E então ela diz a si mesma: "Visto que a fotografia nos dá todas as garantias desejáveis de exatidão (eles crêem nisso, os insensatos), a arte é a fotografia”. A partir desse momento, a sociedade imunda se lança, como um único Narciso, à contemplação de sua imagem trivial sobre o metal. Uma loucura, um fanatismo extraordinário se apodera de todos esses novos adoradores do sol. Estranhas aberrações se produzem. Associando e reunindo homens desajeitados e mulheres desavergonhadas, afetados como os açougueiros e as lavadeiras no carnaval, pedindo a seus heróis que continuem a fazer suas caretas de circunstância pelo tempo necessário à tomada, eles se lisonjeiam de oferecer cenas, trágicas e graciosas, da história antiga. Algum escritor democrata deve ter aí visto um modo, com baixo custo, de restituir ao povo o gosto pela história e pela pintura, cometendo assim um duplo sacrilégio, insultando a divina pintura e a arte sublime do ator. Pouco tempo depois, milhares de olhos ávidos se voltavam para o orifício do estereoscópio, como uma fresta para o infinito. O amor pela obscenidade, que é tão vivaz no coração natural do homem quanto o amor por si mesmo, não deixou escapar tão bela ocasião para satisfazer-se. E que não se diga que se trata de crianças que retornam da escola e encontram nessas besteiras seus prazeres; pois elas deslumbraram a todos. Eu ouvi uma bela senhora, uma mulher da alta sociedade, não da média, responder àqueles que discretamente lhe escondiam imagens desse tipo, zelando por seu pudor: “Mostre-me tudo, não há nada demasiado forte para mim”. Juro ter ouvido isso, mas quem acreditará? “Veja você que se trata de mulheres grandiosas!” disse Alexandre Dumas. “E há outras ainda maiores!” disse Cazotte.

Como a indústria fotográfica foi o refúgio de todos os pintores fracassados, demasiado mal-dotados ou preguiçosos para acabar seus estudos, esse deslumbramento universal teve não somente o caráter de cegueira e imbecilidade, mas também, a cor de uma vingança. Que uma tão estúpida conspiração, dentro da qual, como em todas as outras, encontramos os perversos e os equivocados, possa vencer de maneira absoluta, eu não acredito, ou pelo menos não gostaria de acreditar; mas estou convencido de que o progresso mal aplicado da fotografia muito contribuiu, como aliás todo progresso puramente material, para o empobrecimento do gênio artístico francês, já tão raro. A Fatuidade moderna rugirá forte, fará roncar todas as flatulências de sua obesa personalidade; vomitará todos os sofismas indigestos que uma filosofia recente lhe serviu até que se empanturrasse, o que torna evidente que a indústria, irrompendo-se dentro da arte, torna-se sua mais mortal inimiga, e que a confusão de funções impede que ambas realizem seus potenciais. A poesia e o progresso são dois ambiciosos que se odeiam de um ódio instintivo, e quando se encontram no mesmo caminho, é necessário que um sirva ao outro. Se for permitido à fotografia substituir a arte em qualquer uma de suas funções, ela logo será totalmente suplantada e corrompida, graças à aliança natural que encontrará na tolice da multidão. É preciso então que ela retorne ao seu verdadeiro dever, que é o de ser a serva das ciências e das artes, a mais humilde das servas, como a imprensa e a estenografia, que nem criaram e nem suplantaram a literatura. Que ela enriqueça rapidamente o álbum do viajante e devolva a seus olhos a precisão que faltava a sua memória, que ela ornamente a biblioteca do naturalista, amplie os animais microscópicos, ou mesmo, que ela acrescente ensinamentos às hipóteses do astrônomo, que ela seja enfim a secretária e o guarda-notas de quem quer que precise, em sua profissão, de uma absoluta precisão material, até aí, nada melhor. Que ela salve do esquecimento as ruínas decadentes, os livros, as estampas e os manuscritos que o tempo devora, as coisas preciosas cuja forma irá desaparecer e que pedem um lugar no arquivo de nossa memória, ela terá nossa gratidão e será ovacionada. Mas se lhe for permitido usurpar o domínio do impalpável e do imaginário, de tudo aquilo que apenas tem valor porque o homem lhe acrescenta alma, então, que desgraça a nossa!

Sei que muitos me dirão: “A doença que você acaba de explicar é aquela dos imbecis. Que homem digno do nome de artista e que diletante verdadeiro confundiu um dia a arte com a indústria?” Eu sei e, no entanto, perguntarei por minha vez se ele acredita no contágio entre o bem e o mal, na ação das multidões sobre o indivíduo, e na obediência involuntária, forçada, do indivíduo à multidão. Que o artista aja sobre o público, e que o público reaja sobre o artista, é uma lei incontestável e irresistível; no mais, os fatos, terríveis testemunhos, são fáceis de conhecer; podemos constatar o desastre. Dia a dia, a arte perde o respeito por si mesma, se prosterna diante da realidade exterior, e o pintor se torna cada vez mais inclinado a pintar, não o que sonha, mas o que vê. Entretanto, é uma felicidade sonhar, é uma glória exprimir o que se sonha, mas o que direi? Você ainda conhece essa felicidade? Afirmará o observador de boa fé que a invasão da fotografia e a grande loucura industrial não estejam ligadas a esse resultado deplorável? Será possível supor que um povo, cujos olhos se habituaram a considerar os resultados de uma ciência material como produtos do belo, não terá, ao largo de certo tempo, particularmente diminuída sua faculdade de julgar e de sentir o que há de mais etéreo e de mais imaterial?

COMENTÁRIOS:

1- Vaudeville é um tipo de comédia teatral popular, surgida na França em meados do século XVIII, e que se difundiu pelo mundo no século XIX.

2- Brutus, lâche César" é uma comédia escrita por Joseph-Bernard Rosier, em 1849. Apesar da aparente referência histórica do título, Brutus é, nessa peça, apenas um cão que morde um porteiro chamado César.

3- Citação ao Evangelho de Mateus, Cap.XVII, V. 17.

4- Título de uma obra de Ernest Seigneurgens, exposta no Salão. Gibelotte é um prato da culinária francesa, espécie de fricassé de coelho preparado com vinho branco.

5- Baudelaire imagina ironicamente uma obra alegórica com elementos que aparecem em certas representações do Amor como personagem mítico (Cupido) : a aljava, suporte em que as carrega as flechas, asas e, por vezes, uma venda em seus olhos.

6- Peça de August von Kotzebue, de 1790, tido por alguns historiadores como precursora do melodrama. Baudelaire se refere, provavelmente, à literalidade das palavras implicadas.

7- Baudelaire faz referência aos cavaleiros (por vezes chamados de paladinos) que acompanhavam Carlos Magno nas cruzadas. Em seguida, apela a Chateaubriand, autor de "O gênio do cristianismo" (1802) que, na contracorrente do iluminismo, busca resgatar o valor moral e estético das ações ligadas à tradição e à história do cristianismo.

8- Primeira etapa de um pomposo cerimonial de despertar do rei, envolvendo uma vasta hierarquia de funcionários e súditos, que realizam uma seqüência de pequenas tarefas.

9- Figura heráldica usada recorrentemente para representar da monarquia francesa.

10- Na carta enviada a Nadar em 16/05/1859, Baudelaire também comenta estas esculturas com empolgação, apelando ao amigo para que tentasse obter informações sobre o título.

11- Quadro de François-Auguste Biard, sucesso no Salão de 1844. Cf. Roubert.

12- As frases em inglês são extraídas do conto "Morella", de Edgar Allan Poe. Com este "mas também", Baudelaire quer provavelmente dizer "mas não esqueçamos também". Mais adiante, Baudelaire voltará a falar da "felicidade de sonhar", a seu ver, escassa em seu tempo.

2011-09-07T21:24:00.002-03:00

A função da arte/1

Diego não conhecia o mar. O pai, Santiago Kovadloff, levou-o para que descobrisse o mar. Viajaram para o Sul.

Ele, o mar, estava do outro lado das dunas altas, esperando.

Quando o menino e o pai enfim alcançaram aquelas alturas de areia, depois de muito caminhar, o mar estava na frente de seus olhos. E foi tanta a imensidão do mar, e tanto seu fulgor, que o menino ficou mudo de beleza.

E quando finalmente conseguiu falar, tremendo, gaguejando, pediu ao pai:

— Me ajuda a olhar!

Eduardo Galeano

2011-09-05T21:59:00.002-03:00

"Todo trabalho criativo baseia-se no que veio antes."

Estética e ética

2011-09-04T17:24:00.007-03:00

"O que me surpreende é o fato de que, em nossa sociedade, a arte tenha se transformado em algo relacionado apenas a objetos e não a indivíduos ou à vida; que a arte seja algo especializado ou feito por especialistas que são artistas. Entretanto, não poderia a vida de todos se transformar numa obra de arte? Por que deveria uma lâmpada ou uma casa ser um objeto de arte, e não a nossa vida?" (Foucault, 1995a: 261)

Deslocar a arte – entendida como um conjunto aberto e variável de técnicas de construção e criação – do mero âmbito dos objetos para o âmbito da vida e colocar esse conjunto de técnicas nas mãos de cada indivíduo para que ele mesmo produza sua própria vida e gerencie sua própria liberdade é uma aposta que Foucault faz não só a partir das bases de uma moral (a grega) constituída segundo esses critérios, mas desde a reflexão sobre um dos textos importantes de nossa modernidade: o texto de Kant Was ist Aufklärung? Neste pequeno texto, Kant define o Iluminismo como a saída do homem de sua culpável incapacidade (conf. Kant, 1984: 100), como maturidade para tomar e assumir as próprias decisões sem recorrer ao dogma ou à autoridade. Na avaliação de Foucault, a decisão mais importante, e talvez a única de fato crucial, é a que afeta o estilo de vida de cada indivíduo, na qual se vejam implicadas as relações que este mantém consigo mesmo e com os outros. Assumir radicalmente o princípio governante da modernidade significa, a partir desta perspectiva, colocar as condições para que o indivíduo seja artista ou artífice do seu próprio êthos. E se essa modernidade apontada por Kant, nesse ambiente de maturidade, se inaugurou com um trabalho crítico, isto é, com uma reflexão sobre os limites do conhecimento e da ação, o estabelecimento da crítica, na visão de Foucault, consiste em seguir trabalhando e refletindo sobre os limites, mas não com a intenção de legitimar sua condição de estruturas transcendentais, dadas a priori, e conseqüentemente invariáveis, mas com o propósito de mostrar sua historicidade, sua contingência com o objetivo de tornar possível a transformação.

Trecho retirado do texto: Nos rastros de Foucault: Ética e subjetividade.

Wanderson Flor do Nascimento

Professor de Filosofia do Instituto de Ciências Sociais e Humanas do Centro de Ensino Superior do Brasil e Mestrando em Filosofia pela Universidade de Brasília

Texto completo aqui

La Camara Oscura

2011-08-28T12:50:00.001-03:00

Sinopse

Em uma colônia da província de Entre Rios, no final do século XIX, uma mulher que, na opinião da sua família nasceu feia ,cresce como uma mulher pouco atraente que se torna insignificante, quase transparente. Ser ignorado por todos, ela não renuncia ao direito de ver o mundo ao seu redor com um ávido interesse por estes pequenos sinais de beleza que são visíveis apenas quando paramos para contemplar. Anos mais tarde, casada e com filhos, um fotógrafo francês, chega à sua casa de campo e é o único que a vê com um outro “olhar ", a beleza particular da protagonista e seu intenso mundo interior.

2011-08-28T00:46:00.003-03:00

“Somos seres simbólicos, pertencer a uma sociedade é representar papéis. Se não sabemos viver de outro modo, se isso é da ‘natureza humana’, somos verdadeiramente os papéis que cumprimos”, Ronaldo Entler.

2011-08-28T00:40:00.002-03:00

2011-08-23T00:05:00.005-03:00

Um truque de Luz

Wim Wenders

A história de Gertrud, a menina que foi testemunha do nascimento do cinema, já que era filha de um dos irmãos Skaladanowsky, inventores do bioscópio, a primeira versão do projetos de filmes.

Wim Wenders, misturando cenas documentais e ficção, mostra as muitas experiências com as imagens de Max e Emil, que se dedicaram àquela forma de arte até então desconhecida.

2011-08-20T00:17:00.003-03:00

“A visão é tudo e a jornada fotográfica é sobre descobrir sua visão permitindo que ela evolua, mude e encontre a expressão por meio de sua câmera e da impressão. Não é algo que você encontre e se ajuste de uma vez por todas; é algo que muda e cresce com você. As coisas pelas quais você se apaixona, ou sobre o que você — um ser único entre bilhões — acha belo, feio, certo, errado ou harmonioso neste mundo. E na medida em que você experimenta a vida, sua visão muda. As histórias que você quer contar, as coisas que ressoam em você, mudam e assim também muda sua visão. Encontrar e expressar sua visão é uma jornada, não um destino.

Você pode passar a vida toda perseguindo a sua visão, aprendendo não apenas a ver com mais clareza, mas a expressar aquela visão de maneiras ainda mais fortes. É importante lembrar-se disso, pois evita o desencorajamento que todos os artistas inevitavelmente enfrentam: A sensação de que não estamos vendo nada novo, não temos nada a dizer ou criamos nossa última boa fotografia. Quando isso acontece, é útil lembrar que a jornada ainda não acabou. Enquanto estivermos vivos e interagirmos com a vida, com o mundo e com as pessoas ao nosso redor, teremos algo a dizer. E conforme aprendemos e praticamos nosso ofício, teremos formas mais fortes — até mesmo melhores — de expressar tudo isso.

A visão pode ser esquiva. Podemos nem sempre ter uma reação consciente imediata do mundo ao nosso redor, podemos não compreender nossos sentimentos em relação a história diante de nós. É nessas horas que a câmera se torna mais que um meio para registrar nossa visão; ela se torna um meio de ajudar a esclarecê-la. O ato de olhar através do visor, de excluir outros ângulos e elementos ou de trazer caos à ordem, pode trazer sua visão à tona. Essa capacidade de nos ajudar a ver significa, de certo modo, que a câmera é uma parceira neste processo.A vida fotográfica trata de descobrir sua visão e expressá-la em termos puramente visuais. Algumas vezes nossa visão nos encontra; outras vezes temos que persegui-la.”

David duChemin - A foto em foco, uma jornada na visão fotográfica

2011-08-13T00:23:00.000-03:00

Eustáquio Neves

"A fotografia é o grande inventário do planeta..."

2011-08-10T23:41:00.002-03:00

terceiro ato from ciadefoto on Vimeo.

2011-08-10T10:29:00.001-03:00

Robert Doisneau, The Cellist,1957

2011-07-30T23:16:00.002-03:00

2011-07-27T01:19:00.002-03:00

Haruo Ohara

View another webinar from ebertlike

Estética

2011-07-24T21:05:00.002-03:00

"É que Narciso acha feio o que não é espelho"

Narciso

Michelangelo Merisi da Caravaggio

2011-07-24T14:05:00.003-03:00

Passou do ponto - Braulio Tavares

São essas coisas que acontecem na vida das pessoas, elas se veem de repente numa situação que é um paraíso imprevisto, um paraíso não-sonhado, que aparece não como a conquista (enfim!) de um objetivo, mas como algo que cai já pronto em nosso colo, objetivo e conquista embrulhados juntos no mesmo celofane. De repente estava tudo tão bom, o ônibus agradável, o ar condicionado funcionando, a poltrona confortabilíssima e reclinável em três ângulos, as janelas amplas e transparentes, a companhia esfuziante dos outros passageiros... Estar cruzando a cidade (babilônica e luminosa) naquele ônibus tornou-se de repente não um meio mas um fim em si, e era um tal clima de festa, uma tal variedade de companhias, de conversas, de risadas, de confidências, de conspirações benignas e de planos para o futuro que parecia não existir nada mais além daquele espaço fechado em movimento. A cidade (sensual e festiva) passava lá fora como um loop de imagens em computação gráfica, espaço bidimensional que, se a gente se contentasse em vê-lo passar, cumpria plenamente a função. A vida verdadeira era ali dentro, tudo acontecia naquele corredor largo entre as poltronas, onde era possível caminhar em filas de mão e contra-mão, e havia frigobar em esquema de boca-livre (ou quem sabe incluído na passagem), televisõezinhas ejetáveis no teto, canais de música com fones de ouvido e menu de trinta opções... O ônibus em que iam conhecer o mundo transformou-se no mundo, transformou-se no único lugar a que ele dava atenção, no único lugar que ele via e ouvia. E ele passou do ponto.

Saber ele sabia, que aquele ônibus não fazia o trajeto circular dos ônibus urbanos, era um ônibus com rota em linha reta, que partira de um A e chegaria hipoteticamente a um Z, e que nesse percurso havia um local bem específico que ele escolheria para descer. Havia um local que ele reconheceria, por todas as pistas que lhe seriam fornecidas, principalmente pelos outros passageiros, cuja conversa, por mais variada e ininterrupta, circulava sempre em torno desse tema, dessa idéia fixa: do lugar onde cada um estava pensando em descer, e por que motivo ali e não em outro local, e de que maneira seriam capazes, cada um, de reconhecer o próprio local de descida, se presumirmos que todos estavam fazendo aquele trajeto pela primeira (e única) vez, e tudo que sabiam sobre o espaço a ser percorrido eram suas próprias expectativas e as expectativas, suposições, lendas e imaginações dos outros a bordo. Todos tinham sua teoria, suas anotações; ele também. E a discussão era tão animada, tão enriquecedora e divertida, tão objetivo-final-da-coisa-em-si, que, punge-me dizê-lo, quando ele olhou já era tarde, as casas iam rareando, a cidade (feérica e monumental) cedera lugar a uma periferia de matagais e ruínas, um deserto soturno de charnecas; e de gelada constatação. O ônibus seguiu. Seguiu sempre em frente. E ele não precisou mais descer, é claro. Ele passou do ponto.

Mais no site do autor: Mundo Fantasmo

2011-07-17T20:10:00.005-03:00

Aristóteles não definiu a piedade e o terror. Eu defini. Escuta...

A piedade é o sentimento que faz parar o espírito na presença de algo que seja grave e constante no sofrimento humano e o une com o sofredor humano. O terror é o sentimento que detém o espírito na presença de seja lá o que for que seja grave e constante no sofrimento humano e o liga à sua causa secreta.

De fato, a emoção trágica é uma face olhando para dois lados, para o terror e para a piedade, pois que ambos são faces dela.

Repara bem que emprego o termo deter, ficar parado. Quero com isso significar que a emoção trágica é estática. Ou, antes, a emoção dramática é que o é. Os sentimentos excitados pela arte imprópria são cinéticos, desejo, ou repulsa. O desejo nos compele a possuir, a ir para alguma coisa; a repulsa nos compele a abandonar, a partir duma dada coisa. As artes que o excitam, pornográficas ou didáticas, são, por conseguinte, artes impróprias. A emoção estética (sempre emprego o termo geral) é, por conseguinte, estática. O espírito fica detido e suspenso acima do desejo e da repulsa.

O desejo e a repulsa excitados por meios estéticos impudicos não são realmente emoções estéticas, não só porque são cinéticas em caráter como também porque não são senão físicas. A nossa alma contrai-se ante aquilo que teme e responde ao estímulo daquilo que deseja por uma ação puramente reflexa do sistema nervoso. Nossas pálpebras fecham-se antes que estejamos cônscios de que a mosca está a ponto de entrar no nosso olho.

A beleza expressa pelo artista não pode despertar em nós uma emoção que é cinética, ou uma sensação que é puramente física. Ela desperta ou deve despertar, ou induz, ou deve induzir, um êxtase estético, uma piedade ideal ou um terror ideal, um êxtase que perdura, que se prolonga e que acaba, por fim, dissolvido pelo que chamo de ritmo de beleza.

O ritmo é a primeira relação formal estética duma parte com outra parte, em qualquer conjunto ou todo estético, ou dum todo estético para a sua parte ou para as suas partes ou duma parte para o todo estético do qual é parte.

Falar destas coisas, tentar compreender-lhes a natureza, e, tendo-a compreendido, procurar lenta, humilde e constantemente expressar (tornar a extrair da terra bruta ou do que dela procede, do som, da forma e da cor, que são as portas da prisão de nossa alma) uma imagem da beleza que chegamos a aprender — isto é arte.

Que é a arte? Que é que a beleza exprime? A arte é a disposição humana de matéria sensível ou inteligível para um fim estético.

Santo Tomás de Aquino diz que o belo é a apreensão do que agrada. Pulcra sunt quae visa placent.

Ele emprega a palavra visa para revestir as apreensões estéticas de todas as maneiras, seja através da vista ou do ouvido, seja através de qualquer outra perspectiva de apreensão. Esta palavra, conquanto seja vaga, é clara o suficiente para discernir o que haja de bom e de mau que excite o desejo e a repulsa. Significa certamente uma estase e não uma cinese. E relativamente ao real? Também produz uma estase do espírito.

Por conseguinte, estático, Platão, creio eu, disse que a beleza é o esplendor da verdade. Não acho que isso tenha um sentido, mas a verdade e a beleza são aparentadas. A verdade é contemplada pelo intelecto que é acalmado pelas mais satisfatórias relações do inteligível; a beleza é contemplada pela imaginação que é acalmada pelas mais satisfatórias relações do sensível. O primeiro passo na direção da verdade é compreender o escopo e o encaixe do intelecto mesmo, compreender o ato mesmo de intelecção. Todo o sistema de filosofia de Aristóteles repousa no seu livro de psicologia e esta, penso eu, no seu princípio de que o mesmo atributo não pode ao mesmo tempo e com a mesma conexão pertencer e não pertencer ao mesmo objeto. O primeiro passo na direção da beleza é compreender o limite e o escopo da imaginação, compreender o ato mesmo da apreensão estética.

Embora o mesmo objeto possa não ser bonito para toda a gente, toda gente pode admirar um objeto bonito, encontrar nele certas relações que satisfaçam e coincidam com os estágios próprios mesmos de toda apreensão estética. Tais relações do sensível, visíveis para mim através duma forma e para ti através doutras, devem ser, por conseguinte, as necessárias qualidades da beleza. Já agora podemos voltar ao nosso velho amigo Santo Tomás para outros dez vinténs de sabedoria.

James Joyce - Retrato do artista quando jovem. Tradução de José Geraldo Vieira

mais: http://irajamenezesleituras.blogspot.com/

2011-07-09T01:12:00.002-03:00

Escher

2011-07-06T23:24:00.005-03:00

O ATO CRIADOR - Marcel Duchamp

Consideremos dois importantes fatores, os dois pólos da criação artística: de um lado o artista, do outro o público que mais tarde se transforma na posteridade.

Aparentemente o artista funciona como um ser mediúnico que, de um labirinto situado além do tempo e do espaço, procura caminhar até uma clareira.

Ao darmos ao artista os atributos de um médium, temos de negar-lhe um estado de consciência no plano estético sobre o que esta fazendo, ou por que esta fazendo.

Todas as decisões relativas à execução artística do seu trabalho permanecem no domínio da pura intuição e não podem ser objetivadas numa auto-análise, falada ou escrita, ou mesmo pensada.

T.S. Eliot escreve em seu ensaio sobre Tradition and Individual Talents. “Quanto mais perfeito o artista, mais completamente separados estarão nele o homem que sofre e a mente que cria; e mais perfeitamente a mente assimilará e expressará as paixões que são o seu material”.

Milhões de artistas criam; somente alguns poucos milhares são discutidos ou aceitos pelo público e muito menos ainda são os consagrados pela posteridade.

Em última análise o artista pode proclamar de todos os telhados que é um gênio; terá de se esperar pelo veredicto do público para que sua declaração assuma um valor social e para que finalmente, a posteridade o inclua entre as figuras da História da Arte.

Sei que esta afirmação não contará com a aprovação de muitos artistas que recusam este papel mediúnico e que insistem na validade da sua conscientização em relação à arte criadora – contudo, a História da Arte, atreves de considerações completamente divorciadas das explicações racionais do artista.

Se o artista como ser humano, repleto das melhores intenções para consigo e para com o mundo inteiro, não desempenhar papel algum no julgamento do próprio trabalho, como poderá ser descrito o fenômeno que conduz o público a reagir criticamente à obra de arte? Em outras palavras, como se processa esta reação?

Este fenômeno é comparável a uma transferência do artista para o público, sob a forma de uma osmose estética, processada através da matéria inerente, tais como a tinta, o piano, o mármore.

Antes de prosseguir, gostaria de esclarecer o que entendo pela palavra “arte” – sem, certamente, tentar uma definição.

O que quero dizer é que a arte pode ser ruim, boa ou indiferente, mas, seja qual for o adjetivo empregado, devemos chamá-la de arte, e arte ruim, ainda assim é arte, da mesma forma que a emoção ruim é ainda emoção.

Por conseguinte, quando eu me referi ao “coeficiente artístico”, deverá ficar entendido que não me refiro somente à grande arte, mas que estou tentando descrever o mecanismo subjetivo que produz a arte em estado bruto – à i’état brut – ruim, boa ou indiferente.

No ato criador, o artista passa da intenção à realização, através de uma cadeia de relações totalmente subjetivas. Sua luta pela realização é uma série de esforços, sofrimentos, satisfações, recusas, decisões que também não podem e não devem ser totalmente conscientes, pelo menos no plano estético.

O resultado deste conflito é uma diferença entre a intenção e a sua realização, uma diferença de que o artista não tem consciência.

Por conseguinte, na cadeia de relações que acompanha o ato criador falta um elo.

Esta falha que representa a inabilidade do artista em expressar integralmente a sua intenção; esta diferença entre o que quis realizar e o que na verdade realizou é o “coeficiente artístico” pessoal contido na sua obra de arte.

Em outras palavras, o “coeficiente artístico” é como uma relação aritmética entre o que permanece inexpresso embora intencionado, e o que é expresso não intencionalmente.

A fim de evitar um mal-entendido, devemos lembrar que este “coeficiente artístico” é uma expressão da arte à l’état brut, ainda num estado bruto que precisa ser “refinado” pelo público como açúcar puro extraído do melado; o índice deste coeficiente não tem influência alguma sobre tal veredicto. O ato criado toma outro aspecto quando o espectador experimenta o fenômeno da transmutação; pela transformação da matéria inerte numa obra de arte, um transubstanciado real processou-se, e o papel do público é de determinar qual o peso as obras de arte na balança estética.

Resumindo, o ato criador não é executado pelo artista sozinho; o público estabelece o contato entre a obra de arte e o mundo exterior, decifrando e interpretando suas qualidades intrínsecas e, desta forma, acrescenta sua contribuição ao ato criador.

Isto se torna ainda mais obvio quando a posteridade da seu veredicto final e, às vezes, reabilita artistas esquecidos.

Texto apresentado à Convenção da Federação Americana de Artes. Em Houston, Texas, USA, abril de 1957.

2011-07-02T23:42:00.002-03:00

Pierre Verger

Estética

2011-07-01T15:57:00.002-03:00

Fonte: IdeaFixa

2011-06-25T23:45:00.001-03:00

O país dos sonhos

Era um imenso acampamento ao ar livre. Das cartolas dos magos brotavam alfaces cantoras e pimentões luminosos, e por todas as partes havia gente oferecendo sonhos para trocar. Havia os que queriam trocar um sonho de viagem por um sonho de amores, e havia quem oferecesse um sonho para rir a troco de um sonho para chorar um pranto gostoso.

Um senhor andava ao léu buscando os pedacinhos de seu sonho, despedaçado por culpa de alguém que o tinha atropelado: o senhor ia recolhendo os pedacinhos e os colava e com eles fazia um estandarte cheio de cores.

O aguadeiro de sonhos levava água aos que sentiam sede enquanto dormiam. Levava a água nas costas, em uma jarra, e a oferecia em taças altas.

Sobre uma torre havia uma mulher, de túnica branca, penteando a cabeleira, que chegava aos seus pés. O pente soltava sonhos, com todos seus personagens: os sonhos saíam dos cabelos e iam embora pelo ar.

Eduardo Galeano - O LIVRO DOS ABRAÇOS

2011-06-25T14:14:00.003-03:00

Definição da arte

Portinari saiu — dizia Portinari. Por um instante espiava, batia a porta e desaparecia. Eram os anos trinta, caçada de comunistas no Brasil, e Portinari tinha se exilado em Montevidéu.

Ivan Kmaid não era daqueles anos, nem daquele lugar; mas muito tempo depois, ele espiou pelos furinhos da cortina do tempo e me contou o que viu:

Cândido Portinari pintava da manhã à noite, e noite afora também.

— Portinari saiu — dizia.

Naquela época, os intelectuais comunistas do Uruguai iam tomar posição frente ao realismo socialista e pediam a opinião do prestigiado camarada.

— Sabemos que o senhor saiu, mestre — disseram, e suplicaram:

— Mas a gente não podia entrar um momento? Só um momentinho.

E explicaram o problema, pediram sua opinião.

— Eu não sei não — disse Portinari. E disse:

— A única coisa que eu sei é o seguinte: arte é arte, ou é merda.

Eduardo Galeano - O livro dos abraços

2011-06-24T17:24:00.002-03:00

Documentário Páginas Ilustradas fala do trabalho dos fotojornalistas, o boom das câmeras digitais, os desafios e o futuro da profissão e dos jornais.

Documentário Páginas Ilustradas from Nathália Cunha on Vimeo.

2011-06-15T21:36:00.000-03:00

Eduardo Galeano no programa Sangue Latino.

Esse em especial, além da rica entrevista de Eduardo, a forma como foi editado mostrou uma estética muito bela. Vale a pena assistir!

2011-06-07T19:45:00.002-03:00

O Nu Eloquente

(Eloquent Nude: The Love and Legacy of Edward Weston & Charis / Ian McCluskey / 2007 / EUA / 57’) Ela era linda, inteligente e inquieta. Ele era um emergente gênio do mundo da fotografia. Quando se conheceram, foi paixão à primeira vista. Atravessando o Oeste norte-americano com uma câmera e uma máquina de escrever, Charis Wilson e Edward Weston transformaram a fotografia e a si mesmos. Agora, aos 90 anos de idade, Charis relembra os anos ao lado do amado Weston com muito humor, sinceridade e algum arrependimento. Este documentário apresenta uma extraordinária história de amor e de perda, viagens e aventuras, e um olhar íntimo sobre o desenvolvimento da fotografia moderna.

2011-06-04T12:17:00.001-03:00

Hoje assisti uma série de vídeos do programa Sangue Latino.

O escritor e jornalista Eric Nepomuceno reuniu escritores, músicos, poetas, artistas plásticos e outros grandes pensadores do continente em conversas sobre a situação política, literatura, música, cultura e política dos países da região, entre outros temas. As entrevistas foram gravadas no Uruguai, Argentina, Chile e no Brasil, sempre em clima intimista e sem uma pauta previamente determinada para cada convidado.

Entre tantos vídeos não pude deixar de compartilhar este com Chico Buarque. Existe um ruído na filmagem, mas mesmo assim vale a pena.

2011-06-03T23:21:00.007-03:00

“O que caracteriza um artista é ele olhar para dentro de si mesmo. Toda experiência em arte é um experimentar-se, é a experiência de si mesmo, é uma pesquisa em você mesmo. Você não pode fazer experiências com os outros. Este silêncio do olhar para dentro à procura da origem das coisas é que é o grande problema da arte. Procurando a origem você fica original, e não querendo fazer uma coisa diferente. É por isso que eu acho que criar está junto com viver, que arte e vida são a mesma coisa.”

Amilcar de Castro

frase encontrada no post: Vai mais um clichê aí? do 7 fotografia, pesquisa e debate.

2011-06-02T20:08:00.006-03:00

Simone Paulino é jornalista e escritora, nesta semana me presenteou com um post em seu site sobre minhas fotos:

"Imprevisíveis

Começa assim, com um enfado pelas coisas conhecidas e gastas.
De repente, explode em centelhas imperceptíveis de cansaço do mundo.
Até que uma palavra solta na página…
Um ângulo inusitado do banal…
Faz ver o invisível…
E lava a alma.
Essa é a sensação provocada pelas fotos de Carla Zavatieri."

Para conhecer mais sobre o seu olhar e trabalho visitem:
http://www.simonepaulino.com.br/

2011-05-29T12:29:00.000-03:00

2011-05-23T00:01:00.004-03:00

Está no ar a revista eletrônica Bicicletas Voadoras.

Um espaço para conversar sobre arte, diversidade e cultura.

Com textos de Carla Zavatieri, Simone Paulino, Laerte Mello, Tom Wil, Teo Ponciano, Dan Costa e entrevista exclusiva com o músico Chico Saraiva.

Eis o link: http://www.bicicletasvoadoras.com.br/web/

2011-05-22T09:26:00.000-03:00

2011-05-10T23:33:00.002-03:00

Sonho

2011-05-08T21:56:00.003-03:00

Momento de contemplação!

2011-05-07T21:20:00.004-03:00

Thomas Barbèy

2011-05-01T14:21:00.007-03:00

Um trecho do meu trabalho: Tempos Modernos

Projeto Fotográfico "Tempos Modernos" from Carla Zavatieri on Vimeo.

2011-04-24T22:03:00.009-03:00

Fantástico!

Manoel de Barros é fantástico por si só, mas este documentário chamou minha atenção por ter uma estética muito bonita e muito parecida com os poemas de Manoel.

O tom alaranjado das cenas, parecendo um fim de tarde, nos dá a sensação de aconchego. Os objetos escolhidos: enferrujados, velhos, usados; as paredes, as plantas...

Eu indico!

Mais sobre o filme: http://www.sodez.com.br/index.htm

2011-04-24T16:01:00.001-03:00

A fotógrafa Zana Briski ultrapassou as barreiras da língua, cultura e etnia quando mergulhou em uma área pobre e ilegal de uma metrópole do Terceiro Mundo - Calcutá, Índia. A premiada fotógrafa conquistou a amizade das crianças de Sonagachi ( distrito da luz vermelha da cidade), começando um workshop de fotografias e equipando as crianças com máquinas fotográficas. O poder transformado deste simples objeto é marcante, em poucas semanas as crianças mostraram um novo espírito e muitas delas descobriram um talento para arte. Briski e seu co-diretor, Ross Kaufman, seguiram as crianças e viram como elas filtravam o seu mundo marginalizado e esquecido através das lentes das câmeras. Durante o documentário, há uma narrativa central, a aventura destas crianças , onde esta nova descoberta que as encheu de esperança e força para deixar os bordéis para viver uma vida melhor.

2011-04-19T20:38:00.001-03:00

A IMAGEM EM SALA DE AULA.

UMA REFLEXÃO.

2011-04-15T00:33:00.001-03:00

Trecho do documentário Janela da Alma.

José Saramago fala sobre o Mito da Caverna e Wim Wenders conversa sobre o excesso de imagens que engolimos diariamente.

2011-04-03T10:44:00.006-03:00

Dezenove pessoas com diferentes graus de deficiência visual, da miopia discreta à cegueira total, falam como se vêem, como vêem os outros e como percebem o mundo. O escritor e prêmio Nobel José Saramago, o músico Hermeto Pascoal, o cineasta Wim Wenders, o fotógrafo cego franco-esloveno Evgen Bavcar, o neurologista Oliver Sacks, a atriz Marieta Severo, o vereador cego Arnaldo Godoy, entre outros, fazem revelações pessoais e inesperadas sobre vários aspectos relativos à visão: o funcionamento fisiológico do olho, o uso de óculos e suas implicações sobre a personalidade, o significado de ver ou não ver em um mundo saturado de imagens e também a importância das emoções como elemento transformador da realidade se é que ela é a mesma para todos.

Título original: (Janela da Alma)

Lançamento: 2002 (Brasil)

Direção: João Jardim, Walter Carvalho

Duração: 73 min

Gênero: Documentário

2011-04-02T12:41:00.002-03:00

Thomaz Farkas fala sobre o documentário Pixinguinha e a Velha Guarda do Samba.

Pixinguinha e a Velha Guarda do Samba

Gênero Documentário, Concorrendo Fest

Diretor Ricardo Dias, Thomaz Farkas

Ano 2007

Duração 10 min

Cor Colorido

Bitola indisponível

País Brasil

O que é tristeza pra você?

2011-03-30T20:33:00.004-03:00

Artista: Rita Pires

Dirigido, fotografado e editado por: André Saito & Cesar Nery

Trilha: Fê Sztok
Arte Gráfica: Pedro Hefs
Agradecimento: Carla D’aqui, Família Saito, Família Pires, Coletivo Soy Loco por Ti, Érico Massoli.

Artista: Hélio Leites
Dirigido, fotografado e editado por: André Saito & Cesar Nery
Trilha original: Fê Sztok e André Saito
Arte Gráfica: Pedro Hefs
Agradecimento: Carla D’aqui, Família Saito, Família Leites, Coletivo Soy Loco por Ti, Érico Massoli.

Mais vídeos do projeto "O que é tristeza pra você?", projeto de Tomás Tristonho, aqui: http://oqueetristezapravoce.com.br/

2011-03-27T14:56:00.003-03:00

Creio que estamos cada dia mais perto dos Eloi e dos Morlock!

A Máquina do Tempo (1960)

Contigo quero dividir minha solidão

2011-03-25T22:17:00.006-03:00

from Pangeia de Dois on Vimeo.

“Posso ver a mesma paisagem muitas vezes e sempre aparecerá algo novo, e todas as paisagens, de todos os lugares, no final podem ser a mesma, pois são imagens que existem mais dentro de mim do que no mundo de verdade. A paisagem respira no ritmo que piscam meus olhos. A imagem respira em si mesma e também dentro de mim.

Essa imagem me deixa só, e essa solidão me impulsiona a seguir buscando. Ela é fraca, ela não fala por si mesma, e essas palavras também são fracas e vazias.

Sei que você não vai ver esta imagem que existe só na minha cabeça, nem vai sentir o que eu pude sentir ao vê-la, mas sei que contigo posso compartilhar um pouco dessa solidão de ter uma imagem que me habita.”

http://www.pangeiadedois.com/

2011-03-23T10:28:00.002-03:00

A Permanência do Mundo e a Obra de Arte

"Entre as coisas que emprestam ao artifício humano a estabilidade sem a qual ele jamais poderia ser um lugar seguro para os homens, há uma quantidade de objetos estritamente sem utilidade e que, ademais, por serem únicos, não são intercambiáveis, e portanto não são passíveis de igualação através de um denominador comum como o dinheiro; se expostos no mercado de trocas, só podem ser apreçados arbitrariamente. Além disso, o devido relacionamento com uma obra de arte não é "usá-la"; pelo contrário, ela deve ser cuidadosamente isolada de todo contexto dos objetos de uso comuns para que possa galgar o seu lugar devido no mundo. Da mesma forma, deve ser isolada das exigências e necessidades da vida diária, com as quais tem menos contato que qualquer outra coisa. Ao argumento, não interessa se esta inutilidade dos objetos de arte sempre existiu ou se, antigamente, a arte servia às chamadas necessidades religiosas do homem, tal como os objetos de uso comuns servem a necessidades mais comuns. Ainda que a origem histórica da arte tivesse caráter exclusivamente religioso ou mitológico, o fato é que a arte sobreviveu magnificamente à sua separação da religião, da magia e do mito.
Dada a sua suma permanência, as obras de arte são as mais intensamente mundanas de todas as coisas tangíveis; sua durabilidade permanece quase isenta ao efeito corrosivo dos processos naturais, uma vez que não estão sujeitas ao uso por criaturas vivas - uso que, na verdade, longe de materializar sua finalidade inerente (como a finalidade de uma cadeira é realizada quando alguém se senta nela), só pode destruí-la. Assim, a durabilidade das obras de arte é superior àquela de que todas as coisas precisam para existir; e, através do tempo, pode atingir a permanência. Nesta permanência, a estabilidade do artifício humano, que jamais pode ser absoluta por ser o mundo habitado e usado por mortais, adquire representação própria. Nada como a obra de arte demonstra com tamanha clareza e pureza a simples durabilidade deste mundo de coisas; nada revela de forma tão espetacular que este mundo feito de coisas é o lar não-mortal de seres mortais. É como se a estabilidade humana transparecesse na permanência da arte, de sorte que certo pressentimento de imortalidade - não a imortalidade da alma ou da vida, mas de algo imortal feito por mãos mortais - adquire presença tangível para fulgurar e ser visto, soar e ser escutado, escrever e ser lido.
A fonte imediata da obra de arte é a capacidade humana de pensar, da mesma forma como a "propensão para a troca e o comércio" é a fonte dos objetos de uso. Trata-se de capacidades do homem, e não de meros atributos do animal humano, como sentimentos, desejos e necessidades, aos quais estão ligados e que muitas vezes constituem o seu conteúdo. Esses atributos humanos são tão alheios ao mundo que o homem cria como seu lugar na terra quanto os atributos correspondentes de outras espécies animais; se tivessem que constituir um ambiente fabricado pelo homem para o animal humano, esse ambiente seria um não-mundo, resultado de emanação e não de criação. A capacidade de pensar relaciona-se com o sentimento, transformando a sua dor muda e inarticulada, do mesmo modo como a troca transforma a ganância crua do desejo e o uso transforma o anseio desesperado da necessidade - até que todos se tornem dignos de adentrar o mundo transformados em coisas, reificados. Em cada caso, uma capacidade humana que, por sua própria natureza, é comunicativa e voltada para o mundo, transcende e transfere para o mundo algo muito intenso e veemente que estava aprisionado no ser.
No caso das obras de arte, a reificação é algo mais que mera transformação; é transfiguração, verdadeira metamorfose, como se o curso da natureza, que requer que tudo queime até virar cinzas, fosse invertido de modo que até as cinzas pudessem irromper em chamas. As obras de arte são frutos do pensamento, mas nem por isso deixam de ser coisas. O processo de pensar, em si, não é capaz de produzir e fabricar coisas tangíveis como livros, pinturas, esculturas ou partituras musicais, da mesma forma como o uso, em si, é incapaz de produzir e fabricar uma casa ou uma cadeira. Naturalmente, a reificação que ocorre quando se escreve algo, quando se pinta uma imagem ou se modela uma figura ou se compõe uma melodia tem a ver com o pensamento que a precede; mas o que realmente transforma o pensamento em realidade e fabrica as coisas do pensamento é o mesmo artesanato que, com a ajuda do instrumento primordial - a mão do homem - constrói as coisas duráveis do artifício humano (...)"

ARENDT, Hannah - A Condição Humana

Dica de Irajá Menezes

2011-03-20T12:33:00.005-03:00

arte que te abriga arte que te habita

arte que te falta arte que te imita

arte que te modela arte que te medita

arte que te mora arte que te mura

arte que te todo arte que te parte

arte que te torto ARTE QUE TE TURA

Paulo Leminsk

2011-03-19T18:50:00.003-03:00

“(...) Ora, não existe verdade que, antes de ser uma verdade, não seja a efectuação

de um sentido ou a realização de um valor. A verdade como conceito é completamente

indeterminada. Tudo depende do valor e do sentido daquilo que pensamos. As verdades, temos

sempre aquelas que merecemos em função do sentido daquilo que concebemos, do valor

daquilo em que cremos. (...). A verdade de um pensamento deve ser interpretada e avaliada a

partir das forças ou do poder que a determinam a pensar, e a pensar isto em vez daquilo.

Quando se fala da verdade no sentido restrito, do verdadeiro tal como é em si, para si e até para

nós, devemos perguntar quais as forças que se escondem no pensamento dessa mesma

verdade, portanto, qual é o seu sentido e o seu valor.(...)”

Gilles Deleuze, NIETZSCHE E A FILOSOFIA

Fonte: http://www3.uma.pt/liliana/index.php?option=com_docman&task=doc_view&gid=110

2011-03-12T21:45:00.002-03:00

Traduzir-se

Uma parte de mim
é todo mundo:
outra parte é ninguém:
fundo sem fundo.

uma parte de mim
é multidão:
outra parte estranheza
e solidão.

Uma parte de mim

pesa, pondera:

outra parte

delira.

Uma parte de mim

almoça e janta:

outra parte

se espanta.

Uma parte de mim
é permanente:
outra parte
se sabe de repente.

Uma parte de mim
é só vertigem:
outra parte,
linguagem.

Traduzir-se uma parte
na outra parte
-que é uma questão
de vida ou morte-
será arte?

Ferreira Gullar

Submundo

2011-03-08T23:23:00.001-03:00

GUSTAVE DORÉ

2011-03-08T22:12:00.001-03:00

O que diferencia o artista da pessoa comum? A vaidade.

Evidente que gênios também os há. Às vezes, simultaneamente, artistas e gênios. Estes, quando o são, assim como os matemáticos, fotógrafos, carpinteiros gênios, passam pela vaidade, levam-na consigo ou não, mas sua obra é que permanece. Aos que não somos gênios, resta a semelhança na vaidade e a possibilidade de tê-los como inspiração. Fingir o gênio, como se fôssemos. Se vaidade já a temos que nos venha também o rigor, a obstinação, a grande paciência do gênio. Como por esse meio não se adquire um grande talento - o aspecto do gênio ao qual não teremos acesso - tenhamos pois a humildade de reconhecer nossa insignificante pequenez (ainda que vaidosa) e, quem sabe, advenha daí, justamente, qualquer experiência iluminatória.

Na Aurora, de Murnau, o personagem que sonha com uma vida nova precisa retornar à origem de sua auto-imagem, volta mítica, retorno à idéia primeira de identidade. Sua "vida nova" é desejo transposto em fantasia, no sentido psicanalítico, desejo não sublimado, realizado apenas em imaginação e que, inevitavelmente, se confrontado com a realidade, deteriora, distorce. Este o aprendizado da maturidade: resignar-se aos limites do real, estar conforme, separar realidade da fantasia. Resulta daí o conformismo, sintoma na maturidade do luto não resolvido da infância perdida.

E o artista, que precisa resguardar em si o jogo lúdico do faz-de-conta, o mundo mental que se transporta para o mundo concreto através de seus pequenos objetos-idéias, castelos de sonho, sob pena, caso contrário, de enrijecer-se perante a realidade que pretende realçar, desvelar? Como amadurecer, enquanto artista? Talvez todo artista, gênio ou medíocre, possa ter isto para partilhar, a experiência infantil preservada. Se a vaidade é a onipotência infantil arraigada no adulto, o artista, na tentativa de amadurecer, corre permanente risco de, como na piada, jogar fora a criança junto com a água da bacia. Estátua de pedra que olhou nos olhos a realidade, o homem comum carece da experiência artística que lhe forneça as sandálias aladas e o escudo de Perseu. A imagem projetada da Medusa é o que o artista tem para oferecer em tempos pós-míticos. Mas, dilema! perigo! trágico destino, a ele mesmo cabe a travessia que o pode levar ou não ao outro lado do labirinto e uma Górgona inteiramente sua para o flerte. Que espessura tem o fio de Ariadne onde terá de se dependurar o grosseiro artista? Como entender o mecanismo do mundo e não cair vítima do funcionamento de sua engrenagem, nós, paupérrimos artistas, nós que não somos, nem nunca seremos, gênios? 12 / 10 / 2001

Irajá Menezes

http://irajamenezesleituras.blogspot.com/

2011-03-07T23:41:00.002-03:00

No estudo da mitologia e religião, o submundo ou mundo inferior (em grego: κάτω κόσμος, transl. káto kósmos) é um termo genérico referindo-se a qualquer lugar no qual as almas dos novos mortos vão. Na maioria das culturas, o termo se refere a um reino neutro ou distópico da vida após a morte, ao invés de um paraíso. Algumas vezes o submundo é identificado como "Inferno" uma vez que acreditava-se que ele estivesse sob a terra.

O mundo inferior (os infernos) é um termo geral utilizado para descrever diversos reinos da mitologia grega que se localizavam sob a superfície terrestre. Alguns deles eram:

O grande poço do Tártaro, originalmente uma prisão exclusiva para os Titãs, antigos deuses, e que vieram a ser posteriormente o calabouço onde se aprisionavam as almas amaldiçoadas;
A terra dos mortos, governada pelo deus Hades, conhecida tanto pelo nome do próprio deus como por casa ou domínio de Hades (domos Aidaou), Érebo, os Campos de Asfódelos, Estígia e Aqueronte;
As "ilhas dos Abençoados" ou ilhas Afortunadas, governadas por Crono (de acordo com Píndaro - outros relatos divergem), onde grandes heróis e mitos residiam após suas mortes;
Os Campos Elísios, governados por Radamanto, onde viviam as almas dos homens virtuosos e os iniciados nos antigos mistérios.

Os cinco rios do Hades eram o Aqueronte (o rio da dor), Cócito (lamento), Flegetonte (fogo), Lete (esquecimento) e Estige (ódio), que faziam a fronteira entre os mundos superiores e inferiores.

O antigo conceito grego de mundo inferior variou consideravelmente ao longo do tempo.

Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Submundo

2011-03-05T12:56:00.002-03:00

Estereótipos

É a promessa de vida no teu coração...

2011-03-02T09:36:00.000-03:00

LUA CHEIA

2011-02-20T19:55:00.000-03:00

2011-02-13T16:01:00.001-02:00

René Magritte

2011-02-05T20:31:00.000-02:00

Na entrevista ao programa Vitrine da Tv Cultura, o fotógrafo Luiz Tripolli faz seu manifesto contra a ditadura da moda e da beleza.

2011-02-04T20:39:00.004-02:00

“Alexandre Sequeira é fotógrafo, mas costuma dizer que está muito mais interessado em pessoas do que em fotografias. A câmera é só um instrumento para se aproximar das pessoas. Em um de seus projetos, passou 1 ano num vilarejo amazônico trabalhando como retratista da cidade. A maior parte dos seus fotografados nunca tinha visto sua imagem fotográfica antes.”

Post original: Let's Blogar

2011-01-31T21:05:00.000-02:00

THE KANDINSKY EFFECT from Manu Meyre on Vimeo.

2011-01-29T23:57:00.004-02:00

Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças

_ Eu fui. Eu achei que talvez você fosse louca. Mas você era interessante.

_ Eu gostaria que você tivesse ficado.

_ Eu gostaria de ter ficado também. Agora...eu gostaria de ter ficado. Eu gostaria de ter feito muitas coisas. Eu gostaria de... eu gostaria de ter ficado. Gostaria.

_ Eu desci e você tinha ido. Por quê?

_ Não sei. Senti-me um menino apavorado era mais forte que eu...

_ Estava com medo?

_ Estava...pensei que soubesse que eu era assim. Corri de volta pra fogueira, tentando superar minha humilhação, eu acho...

_ Foi alguma coisa que eu disse?

_ Foi. Você disse “então vá” com tanto desdém, sabe?

_ Me desculpe.

_ Tudo bem.

_ E se você ficasse desta vez?

_ Eu saí pela porta. Não sobrou nenhuma lembrança...

_ Volte e faça uma despedida ao menos. Vamos fingir que tivemos uma...

_ Adeus, Joel.

_ Eu te amo...

_ Encontre-me em Montauk...

2011-01-24T21:42:00.001-02:00

Entrevista com Joan Fontcuberta realizada no dia 23 de outubro de 2010.

Catalão de Barcelona, é um caso raro na fotografia internacional. Fotógrafo criativo, é também um pensador sem limites, que vem se destacando desde os anos 1970, quando se formou na Universidad Autónoma de Barcelona, onde foi professor na Facultad de Bellas Artes. Daí para a frente, percorreu escolas importantes, como a Universidade Harvard, nos Estados Unidos. Fundador da revista Photovision, uma das mais marcantes na história contemporânea, é autor de vários livros, como El Beso de Judas (Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 1997), no qual propõe que o mundo real foi substituído por um fictício, onde só existem aparências, e discute a chamada realidade da imagem fotográfica. Em Zonas de Penumbra (Actar, Madri, 2000), o fotógrafo discute a crítica fotográfica em meio à produção da arte contemporânea e percorre outras investigações. Pensamentos indo ao encontro de uma inquietação íntima e suas reverberações na imagética internacional.

2011-01-21T20:51:00.001-02:00

2011-01-14T21:52:00.005-02:00

"Dê-me portanto um corpo: esta é a fórmula da reversão filosófica. O corpo não é mais o obstáculo que separa o pensamento de si mesmo, aquilo que deve superar para conseguir pensar. É, ao contrário, aquilo em que mergulha e deve mergulhar, para atingir o impensado, isto é, a vida. Não que o corpo pense; porém obstinado, teimoso, ele força a pensar, e força a pensar o que escapa ao pensamento, a vida. Não mais se fará a vida comparecer perante as categorias do pensamento, lograr-se-á o pensamento nas categorias da vida. As categorias da vida são precisamente as atitudes do corpo, suas posturas."

Deleuze em A imagem-tempo.
Trecho retirado do livro Imagem Contemporânea, organização de Beatriz Furtado.

2011-01-12T18:17:00.004-02:00

O período compreendido entre a libertação de Nelson Mandela, em 1990, e sua eleição para presidente, em 94, foi um dos mais violentos da história da África do Sul. A euforia gerada pela libertação do líder negro foi acompanhada de uma intensa onda de terror. O governo branco sustentava que os distúrbios eram fruto da luta travada entre o CNA (Congresso Nacional Africano), de Mandela, e o Inkatha, partido separatista zulu. Anos depois, ficaria provado que os assassinatos eram planejados pelo governo a fim de abalar a sustentação do CNA e impedir a vitória do partido na primeira eleição em que brancos, negros e coloured votariam em igualdade de condições.
Trabalhando para jornais do país e agências internacionais, os amigos Ken Oosterbroek, Kevin Carter, João Silva e Greg Marinovich fotografavam os conflitos na periferia de Joanesburgo. Os quatro ganharam um apelido de uma revista sul-africana: Clube do Bangue-Bangue - rótulo a que resistiram inicialmente, mas que terminaram por assumir.

As fotos do Clube contribuíam para chamar a atenção do mundo para o que ocorria na África do Sul e receberam prêmios internacionais, como o Pulitzer. Mas os quatro fizeram, cada um a seu modo, uma descida aos infernos. Unidos pela terrível experiência de registrar os massacres, eles experienciaram um profundo dilema ético: quando se presencia um assassinato, é melhor socorrer a vítima ou fotografar? Dilacerados pela violência extrema e pela obstinação em obter a melhor foto, cumpriram trajetórias distintas, mas marcadas pela mesma dificuldade: lidar com a impossibilidade de registrar os acontecimentos e, ao mesmo tempo, ajudar as pessoas em perigo.
Ken Oosterbroek morreu durante uma batalha na cidade-dormitório de Thokoza, em 1994. Kevin Carter suicidou-se aspirando a fumaça de seu carro. O sul-africano Greg Marinovich e o moçambicano João Silva sobreviveram, e refazem em O Clube do Bangue-Bangue uma história que permite entender os lances mais violentos de um combate selvagem e dá contornos tão humanos quanto dramáticos ao dia-a-dia de um correspondente de guerra.

brisas...

2011-01-09T19:07:00.001-02:00

2011-01-09T02:32:00.002-02:00

3ª, 4ª e 5ª parte do Especial Imagens Humanas com João Roberto Ripper

2011-01-07T15:52:00.002-02:00

1ª e 2ª parte da entrevista feita com João Roberto Ripper
Especial Imagens Humanas

Fenomenal! Uma discussão sobre estética, aliás até a estética é política!

2011-01-04T04:05:00.001-02:00

Fotografias de Jerry Uelsmann

Rolling Stones - Shine a Light

2011-01-03T00:57:00.008-02:00

Ontem assisti o documentário Shine a Light. Na verdade não se parece muito com um documentário e sim a gravação de um show.

Gostei muito das cenas em que Martin Scorcese discute com o Mick Jagger sobre o palco e gostei mais por conta da forma como filmaram. Aquela sensação de vídeo amador, com a imagem cheia de “ruídos” (bom, não sei se no cinema se dá esse nome, mas na fotografia digital seria o termo). Também gostei dos registros antigos que entravam entre uma música e outra, contando algumas histórias da banda.

Li muitas críticas a respeito do filme como a visita do Clinton e sua família, Cristina Aguilera cantando e a falta da voz da Lisa Fischer, os inúmeros closes mostrando todas as rugas do Mick Jagger, Keith Richards e do Ronnie Wood, já o Charlie Watts esteve como sempre, discreto.

E foi um bom show. Só que na minha opinião ainda não ganhou do Lets Spend The Night Together (exibido nos cinemas em 1982 e que eu só fui conhecer em 1994).

Ah, e faltou uma das músicas que mais amo: Ruby Tuesday.

Impressão Digital

2011-01-02T01:41:00.004-02:00

Há algum tempo venho “filosofando” sobre fotografia. Às vezes com os livros, outras com pessoas. Existem questões que ficam martelando na minha cabeça por dias, meses e pelo jeito algumas já fizeram até aniversário. Mas é disso que eu gosto.

Hoje em dia não consigo apenas olhar para a fotografia como aquele registro que fiz ou que foi feito por outra pessoa. Vejo fotografia em tudo e não estou sendo romântica até porque acho que o meu romance com a fotografia já passou para outro estágio.

A estética é uma das grandes questões no momento. Para entender melhor o assunto e para descobrir a minha linguagem fotográfica fiz um grande passeio por diferentes linguagens.

Fui procurar nos livros teóricos. Depois andei pela literatura, poesia, música, artes plásticas, fotografias, cinema... e continuo a passear por todas essas linguagens.

Também estudei as pessoas. Ouvi mais. O gosto de cada um, o olhar que cada pessoa tem e como é diferente! O discurso pode até parecer igual, mas existem detalhes que mostram um gosto específico.

Nas pessoas vi fotos. Fotos dos pensamentos e das ideias. Fotos em cada gesto. Fotos das palavras, das canções, dos sons que cada uma emitiu ao conversar comigo.

Não posso deixar de falar das crianças. Se cada fotógrafo parasse para ouvir as ideias mirabolantes de uma criança, teria no mínimo uma série de fotos para fazer. E não falo de fotos delas, mas as fotos das ideias!

Pois é... meu projeto Imagem, Imaginação, Imagem Ação nasceu assim. Uma conversa com um grupo de crianças maravilhadas com o jeito que a imagem se formava em uma bolinha de gude.

“Tá tudo de ponta cabeça!”. Diziam elas e realmente estava.

Da bolinha de gude fui correndo me encontrar com Escher, depois com Salvador Dali, Philippe Halsman, Chema Madoz, Jerry Uelsmann, Platão e O Mito da Caverna, os filmes, lugares...

Fui à procura da minha linguagem. Estou à procura da minha linguagem, daquele detalhe, daquele jeito que será a minha “digital fotográfica”.

Histórias que uma foto conta...

2010-12-30T17:04:00.003-02:00

O vídeo tem legendas em várias línguas, inclusive em Português e Espanhol. Basta ativar.

2010-12-27T21:48:00.003-02:00

O Segredo dos seus olhos

Duas cenas fantásticas! A primeira pela estética a segunda pelo diálogo.

Eu indico

2010-12-27T16:54:00.002-02:00

sinopse

Palavra (En)Cantada é um documentário de longa-metragem (86min), dirigido por Helena Solberg, que percorre uma viagem na história do cancioneiro brasileiro com um olhar especial para a relação entre poesia e música. Dos poetas provençais ao rap, do carnaval de rua aos poetas do morro, da bossa nova ao tropicalismo, Palavra (En)cantada passeia pela música brasileira até os dias de hoje, costurando depoimentos de grandes nomes da nossa cultura, performances musicais e surpreendente pesquisa de imagens.

O filme conta com a participação de Adriana Calcanhotto, Antônio Cícero, Arnaldo Antunes, BNegão, Chico Buarque, Ferréz, Jorge Mautner, José Celso Martinez Correa, José Miguel Wisnik, Lirinha (Cordel do Fogo Encantado), Lenine, Luiz Tatit, Maria Bethânia, Martinho da Vila, Paulo César Pinheiro, Tom Zé e Zélia Duncan. Imagens de arquivo resgatam momentos sublimes de Dorival Caymmi, Caetano Veloso e Tom Jobim.

A maioria das entrevistas foi realizada na casa dos entrevistados, em atmosfera intimista, com o registro de declamações e canções especialmente para o documentário. Poemas de Fernando Pessoa, João Cabral de Melo Neto, Hilda Hilst e pérolas de nossos grandes compositores conduzem o roteiro do Palavra (En)Cantada. Entre as músicas do filme estão Choro Bandido (Chico Buarque/Edu Lobo), Alegria, Alegria (Caetano Veloso), Alvorada (Cartola), História do Brasil (Lamartine Babo), Inclassificáveis (Arnaldo Antunes), Fábrica do Poema (Adriana Calcanhotto/Waly Salomão), 2001(Tom Zé/Rita Lee) e O Mar (Dorival Caymmi).

Site: Palavra Encantada

2010-12-26T00:23:00.001-02:00

Ritual
(Cazuza)

Pra que sonhar
A vida é tão desconhecida e mágica
Que dorme às vezes do teu lado
Calada
Calada

Pra que buscar o paraíso
Se até o poeta fecha o livro
Sente o perfume de uma flor no lixo
E fuxica
Fuxica

Tantas histórias de um grande amor perdido
Terras perdidas, precipícios
Faz sacrifícios, imola mil virgens
Uma por uma, milhares de dias

Ao mesmo Deus que ensina a prazo
Ao mais esperto e ao mais otário
Que o amor na prática é sempre ao contrário
Que o amor na prática é sempre ao contrário

Ah, pra que chorar

A vida é bela e cruel, despida
Tão desprevenida e exata
Que um dia acaba

A história de uma foto: Lula e seu umbigo

2010-12-21T20:17:00.001-02:00

Projeto

2010-12-17T13:48:00.004-02:00

Bom, aqui vai uma parte do meu projeto Imagem, Imaginação, Imagem Ação...

Je vous salue, Sarajevo

2010-12-16T22:36:00.007-02:00

Mais sobre o vídeo no Icônica. Vale a pena conferir o site!